電影的起源和發展匯總十篇

序論：好文章的創作是一個不斷探索和完善的過程，我們為您推薦十篇電影的起源和發展范例，希望它們能助您一臂之力，提升您的閱讀品質，帶來更深刻的閱讀感受。

篇（1）

最早的汽車電源僅僅需要滿足汽車的基本點火需要就可以了，但是隨著汽車制造業的發展，越來越適應于更多人的需要，因此汽車的電源技術和網絡技術的應用程度也得到了不斷的加深。在當今汽車制造業日益嚴峻的競爭趨勢下，誰掌握了市場需求和核心科技，誰就更具競爭力，企業只有加強科研領域的創新，將一些先進的技術應用于生產，才會讓自己的產品受到更多的人的認可。總之，汽車電源電壓的不斷升級以及CAN、LAN、MOST三網合一技術是符合電源技術和網絡技術的應用和發展方向的。

1 新型電源技術的應用與發展

1.1 汽車電源電壓的發展歷程

在汽車制造和產生的初期，汽車的電源僅有7V，7V的電壓足以滿足發動機的點火需要，但是后來汽車的發動機技術得到了發展和提高，發動機的實際功率也有了很大的提高，這就要求汽車的電源供電壓要做出適當的調整，在這種背景條件下，14V的汽車電源幸運而生，從20世紀50年代以后，這種14V的汽車電壓應用范圍在不斷的擴大，并一直應用了近半個世紀。在21世紀的今天，伴隨著科學技術的日新月異以及汽車電源電壓需求的增加，為了更好的提高汽車室內的舒適度以及安全方便性，越來越多的高科技產品被逐漸的應用與汽車之中，與此同時為了滿足一些豪華車的需要，一些車輛的發動機功率都已經達到了一個更好的程度，這就要求汽車電源電壓進行不斷的升級，開發并應用新型電源是汽車發展的必由之路。

1.2 42V電源的應用發展分析

隨著汽車電源電壓的不斷升高，汽車的功能性也變得比以往更強，42V電源的出現為汽車的很多功能提供了便利，在汽車中發揮了重要的作用。首先，它大大提高了汽車驅動系統的運行效率，這主要得益于曲軸―起動機―發電機系統，該系統簡稱為KSG，這種系統目前最適合在42V的電源電壓條件下使用，長期以來，很多的汽車生產廠家都在對這種KSG系統進行開發和應用。基于42V電源條件下的KSG系統大大縮短了汽車的啟動時間，同時還具有減陣作用和驅動作用，因此提高了整個車輛的驅動系統的工作效率。其次，它使得更多的電子設備的應用成為了可能，以往很多的機電控制系統、空氣凈化系統、高性能的定位系統和娛樂系統等都需要很高的電源電壓才能正常投入使用，而這些系統同時使用僅僅供應14V電源是遠遠不夠的，而42V電源電壓的出現和應用確使得這些電子設備的應用成為了可能，在很多的高科技應用系統中扮演著重要的角色。

2 網絡技術的應用發展分析

電源電壓的不斷升級使得汽車內部線路系統也在不斷增加，電源系統的管理工作也變得更加復雜，龐大的線路系統如果缺乏科學高效的管理，無論是從汽車的成本控制還是從汽車的工作效率來看，都是具有不利影響的。基于這樣一個特殊情況或是基本現實，我們應該在節省成本的基礎上盡量的簡化汽車內部系統線路，努力實現信息的共享以及數據的共享，在這種情況下，就要充分利用先進的計算機控制技術和信息化的網路技術，其中CAN、LAN、MOST 三網合一技術發揮了重要的作用。

CAN、LIN、MOST 三網合一技術中的CAN總線是數據傳輸的重要基礎，CAN總線的分類很簡單，主要包括低速和高速兩種，二者的主要區別是其應用的范圍不同，比如高速CAN主要用作要求比較高的控制模塊，而低速CAN主要還是應用在車身的一些不是太重要的控制模塊領域。其中的LIN是一種具備局域網功能的局部控制系統，它不僅可以有效的節約成本，還具有很強的抗干擾性，經常被應用在一些對于精度要求比較低的控制系統上，比如電動車窗控制系統、后視鏡控制系統等等。MOST網絡傳輸技術是一種基于光纖通信協議的標準控制網絡，它具有極強的傳輸速率，還可以將很多的像音響、導航儀等的總線集成在一起，實現了信息的共享。總之，汽車電子業的基礎就是網絡技術的不斷發展，在未來的汽車信息化控制系統發展的道路中，CAN、LIN、MOST 三網合一技術必將影響更深，作用更顯著。

3 新形勢下我們應該如何面對

面對我國汽車工業基礎薄弱，而且分散的缺點，我國更應采取必要的措施去應對這一新的挑戰。伴隨著汽車電源電壓的不斷升級，大量的電子器件都要隨之更新去適應新的電源需求，從而對我國汽車制造企業及零部件企業將造成不小的沖擊。當然事物都有其兩面性，機遇與挑戰并存，面對這一復雜局面，如果我國汽車工業應對正確，這將是一次難得的發展機遇。我國汽車工業還處于起步、發展階段，只要以自主研發為主，適時引進國外先進技術，合理配置人才資源，加大技術投入，我國汽車工業就有可能得到跨越式的發展。

同時國家要對此次電源升級以及所帶來的相關問題給予足夠的重視，比如要充分認識汽車新型電源的優點和對相關行業的影響，努力把握它們之間的契合點，力爭我國汽車行業與相關配套行業同時實現質的飛躍。另外汽車電源電壓的變化使得更多汽車電子設備的應用成為可能，這勢必會引起能源結構的變化，所以在對汽車電源電壓研究的同時，同時要多角度觀察，把能源政策，技術發展納入研究的范圍，以實現電源資源的節約。整個汽車技術的發展，無論從哪一國的發展計劃來看，都離不開政府的引導，也正是政府不斷地創造條件與對廠商的引導，才使得這些研發企業得以順利發展。作為汽車技術的一個重要環節―電源和網絡技術的研究亦如此。所以政府在政策法規、產業政策等方面應創造有更利于汽車電源電壓研究發展的環境。

4 結語

隨著人們生活水平的提高以及適應人們精神需求的新需要，汽車的舒適性以及安全性才逐漸成為了人們在車輛的選擇時的一個重要依據，這不得不引起更多的汽車制造企業的關注，為了滿足汽車的基本供電需求，提高汽車的自動化控制系統，就必須加強新型電源技術和網絡技術的技術創新，積極采取行之有效的措施去解決汽車的布線和信息共享等技術難題，從而將汽車的生產技術提升到一個新的高度。

【參考文獻】

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[2]宋飛.淺析汽車電子控制系統的應用與發展[J].科技資訊，2010（35）.

篇（2）

　 電影是一種視聽藝術，其與體育的融合要追溯到體育和藝術的融合問題上。我們知道，體育與藝術是分屬于兩個不同的文化范疇，但體育和藝術有著相同的起源，都是人類在社會勞動過程中發展創造出來的，因此有著共同點：都具有審美功效，能夠帶給人們精神上的愉悅享受。中國武術風格獨特，從誕生起，就具有舞蹈的神韻，它既強調強身健體，又注重陶冶性情；既注重技擊更突出境界提升，又深深植根于中華文化沃土的技擊與藝術的完美融合體。然而體育畢竟不同于藝術，人類進入文明社會后，體育與藝術的界限更為明顯，體育與藝術和美的聯系越來越少。但是，隨著社會的進一步發展，人們的審美素質不斷提高，體育與藝術又逐漸結合。現在體育與電影藝術結合使體育與藝術的融合更加變得緊密了。可以這樣認為體育通過與電影藝術結合正不斷地提升著自己的審美品味與價值。近年來，武術電影在數量和質量上都有了較大的提升，在影片的主題上也日漸回歸本位，其更加注重武術文化的傳承與發展。本文將對體育武術電影中武術文化的傳承與發展進行剖析，旨在交流。

一、武術文化的內涵溯源

在討論武術文化之前，我們要先研究一下武術的起源。按照傳統的說法，中國武術起源于古代戰爭，戰國時期士兵們在戰爭中掌握的一些搏擊競技技巧經過慢慢地發展與演化就形成了后來的中國武術。但是也有一些觀點認為中國武術起源于原始社會。當時的人類用棍棒等工具與野獸搏斗，人們覺得野獸可以和很多人對抗，就開始模仿野獸的動作，從最開始的熊、狼到鶴、蛇、螳螂等。少林武術有很多也是象形拳，這個時代叫做拳術時代。而商代產生田獵更被視為武術訓練的重要手段。武術的起源沒有確定的時間，先人在狩獵時掌握了搏斗的技巧，這些都為以后士兵在戰場上應用搏斗技巧鋪好了路。除了這兩種觀點之外《中國武術——歷史與文化》一書卻提出武術雖然部分來自軍事需要，但是大部分還是來自民間的私斗。軍事用途的武術和民間武術的要求不同。對于中國武術的起源的觀點大致就這三種說法。無論是哪一種觀點都各有各的道理，畢竟中國武術的起源不能限制在某一段時間某一項活動上。總之，中華武術起源可以一直追溯到原始時代，隨著中國悠久的歷史的不斷演變、發展，其中又受倫理學、宗教學、中醫學、哲學、軍事學、教育、美育等學科的影響，形成了一種內容豐富、形式多樣、門類眾多的武術文化，并與其他傳統文化一起構成了中國悠久的歷史文化，另一方面，武術又為中國傳統文化的順利傳承提供一種有效的途徑和模式，使人們在身體活動中潛移默化的受益于中國傳統文化。

上面分析了武術的起源，那么我們再回過頭看看武術文化的起源。如果要問，中國武術的靈魂是什么，那么尚武宗德應該是最準確的回答，筆者認為其也是武術文化的重要內涵。所謂武德就是武術道德，它是習武或者從事武術活動的人應遵循的道德規范和所要具備的道德品質。我國的武德理論在其內容上表現為多方面、多層次特點的，武德理論從萌芽到形成最終得以發展是一個歷史過程。資料顯示：我國歷史上最早的武德文字記錄是《左傳·宣公十二年》中的“武有七德”，即“禁暴、戢兵、保大、功定、安民、和眾、豐財”。然而，在我國武德理論形成與發展的漫長過程中，儒家仁學依靠被封建社會統治者的推崇而逐漸形成傳統武德的主要內容。主要表現在孔孟的仁學基本思想，即仁慈、忠厚、善良和愛心。傳統武德中仁學的中心表現在習武者的修身統一，可以說當時的習武已經成為人生品德修養的重要途徑和方法。因為，要求習武者必須要有高尚的品德與宏大的胸懷和氣魄，只有這樣你的武術造詣才能得到提升。同時，武德中的仁學中心也體現在武技的運用上。因為，我們知道武術本質是技擊，如果技擊那么必然就會出現殘酷與暴力。但武術的仁德精神卻要求習武者雖追求以制取對方為主，但要盡量避免殺人取命，而應以武會友、點到為止，以“禮”來規范行為。

例如，武術中的抱拳禮。其是中國傳統的一種武術禮節，當代武術本著為和平與友誼服務的宗旨，被賦予了新的含義：右手握拳，寓意尚武；左手掩拳，寓意崇德，以武會友；左掌四指并攏，寓意四海武林團結奮進；屈左手拇指，寓意虛心求教，永不自大；兩臂屈圓，寓意天下武林是一家。重承諾，守信用，殺身成仁，舍生取義，俠義英雄是武林人物崇尚的美德與人生追求，見義勇為是武林中人顯示自我存在價值的一種重要方式，形成了俠之大者乃國家民族之觀念。隨著武術作用的變遷，由強身到保國的變化中，武德內涵也得到了升華，愛國精神成為武德中重要組成部分。在歷史長河中，像荊軻、關羽、岳飛、戚繼光等正是通過將自己的命運與國家民族的興亡緊緊地連在一起才鑄就了永恒。新時期在武術的發展過程中對其文化的形成更是給予充足的養分，傳統武德的精微而博大，源遠而流長，在新的發展時期得到了彰顯。使武術充分體現了現代體育文明和體育道德。新時期的武德已經將習武同弘揚祖國文化聯系起來，培養民族自豪感、中華民族的尊嚴、新型的社會主義道德觀已經成為武術文化發展的新內涵。

二、體育電影中武術文化的繼承與發展

電影這種通過視聽效應進行傳播的第八種藝術形式，是一門集攝影、音樂、舞蹈等多種藝術為一體的綜合藝術，給觀眾帶來視角、聽覺上極強的現場沖擊，是極具震撼力的藝術。而武打又稱格斗，在體育運動中展現人體美、運動美、人格美、精神美等豐富的武術美學內涵，能給人帶來熱血沸騰的生命感受和極具震撼力的審美體驗，二者的珠聯璧合就形成了一個特殊的電影種類——武俠電影。可以說，中國武俠電影是一種以武俠文學為原型，融舞蹈化的武術技擊表演與戲劇化、模式化的敘事情節為一體的類型影片。

筆者認為，分析武術文化在武術電影中的繼承與發展，首先應該體現在武術電影對武術美的解讀與呈現上。事實證明，在武俠電影中武術美學下的武打設計就成了構建電影美學的重要元素，一部武俠電影的成功與否在很大程度上取決于武打動作設計的精彩與否。一部武俠電影展現武術美學，能給觀眾帶來極大視覺震撼、審美享受、精神提升。如今中國的武俠電影走向世界，風靡全球，世界的電影在不斷融入中國武術元素，成就一個又一個經典電影。我國的武術從誕生之日起，就帶著濃厚的舞蹈藝術神韻。中國武術，關于中國武術的起源說法不一，有的說中國武術起源于古代戰爭，在戰國時期，士兵把在戰爭中關于搏擊、格斗的經驗作了總結形成最初的武術形式；有的說，武術是在原始社會，原始人與野獸的搏斗中逐漸總結經驗發展而來的。不管怎樣，我們可以想見中國武術最初形式很簡單，打、擊、舉、投等動作平凡而單調，習武者目的也簡單，或強身健體或用于簡單自衛或用于競力或用于戰爭，它和我們祖先的生活密切相關。武俠電影在武打設計中除了凸顯體育力量之美、速度之美、技巧之美，并在過程的演繹中配置以音樂、特技等藝術，進行更好的加工和修飾，使武打動作設計呈現出綜合藝術之美，并讓崇高美漸漸呈現。

例如，2010年上映的武俠電影《精武風云·陳真》，武打設計的部分當屬最后陳真與力石猛的決斗。陳真帶傷一人打垮了力石猛訓練的所有武士后，站在力石猛的決斗場上，此前陳真已經身上多處負傷未愈，白色的襯衣為血跡浸染，在決斗的過程中，陳真是長時間占據下風，不敵力石猛，總是只有招架之功，難有還手之機，以致多次被打倒在地。作為觀眾，繃緊的心長時間為陳真不能放松，尤其是陳真被打倒在地時更是擔心恐懼，對力石猛的仇恨慢慢聚集到極點，此時的陳真憑借頑強的意志、滿腔的愛國熱情和刻骨的仇恨，再次站了起來，一種強大的意志讓陳真折斷了對手四肢筋骨，最終取得勝利。觀眾對陳真的擔心漸漸退去，打敗敵人的涌上心頭，對陳真的崇敬也推向了頂點，復仇和愛國的情緒也被充分的激起，在觀眾心中生成一種崇高美。

其次，武術電影對武術文化的繼承與發展還應體現在對武術精神的體現。例如積極的勵志精神，體育電影中的武術文化，則將這種勵志正面的因素發揮到了極致。武術的練習者的武術不是一朝一夕的事情，在很多武術的練習上，跟許多傳統體育運動一樣，不僅僅要付出很多汗水，還需要有積極的心態體育運動，不僅受到中國人的喜愛，體育是全球化的運動中國的體育電影和體育運動，除了在保持自身的特色之外，還需要不斷吸收外國體育文化的精髓。可以說，不同民族的導演其作品表現不同的民族精神，中華民族的血脈里流淌的文化基因是內斂、柔韌、求和，是我們中華民族的特點，這種民族特點自然就決定了中國的武俠電影的格斗風格突出“以柔克剛”“止戈為武”的風格和宗旨，表現著中國民族精神。武俠電影《臥虎藏龍》，其武打動作場面設計的最大看點就是古典、傳統與唯美的融合展現。電影《奪標》中武林中各派放棄門派的紛爭而為參加世運會而舉行捐款表演賽，這充分體現了練武者的民族大義和民族精神。武學精神和人道哲思的融合電影呈現出濃濃的東方神韻，展現著中華民族精神，武打格斗不斷變化的各種意境讓劇中英雄人物展示著藝術化的各種人生情態，讓世界各國民族的觀眾為之傾倒。

三、結 語

從上面的分析中，我們認為中國的武術文化是源遠流長的，在五千年的中國文化中占有一席之地。武術作為體育運動中的傳統項目在一定程度上是為了促進習練者的身心健康，這與體育運動的目的是完全吻合。但是，隨著社會的不斷發展與文化的大繁榮，武術除了可以使練習者獲得強壯的身體之外，武術的表演成為一個重要的內容。可以說，這加大了武術文化的傳承和發展。武術表演經常被運用在武俠動作電影上，各種驚險刺激的武術動作配合上扣人心弦的人物劇情，讓電影有了不一樣的感覺。如今，我們在電影中看到的精彩武術動作已經超越了現實，筆者認為其是一種對美的追求或者說是一種美文化的形成。通過對體育武術電影的賞析，我們發現弘揚體育精神和武術文化已經成為其不容辭的責任。可以講，牢固中國傳統文化為武術文化的有效傳承和發展提供了肥沃的土壤。電影中的武術鏡頭片段帶給觀眾的不僅是視覺上強有力沖擊，還包含了武術文化的超強感染力。

[參考文獻]

[1] 王崗，邱丕相，郭華帥.重構武術教育新體系必須強化國家意識[J].體育學刊，2009（03）.

[2] 姜熙.體育全球化中中華武術的生存危機和發展抉擇[J].體育學刊，2009（10）.

[3] 岳新坡，詹建國.我國體育電影蕭條的原因分析與對策研究[J].河北體育學院學報，2007（04）.

[4] 邱丕相，王國志.當代武術教育改革的幾點思考[J].體育學刊，2006（02）.

篇（3）

1 、興起

（ 1 ）含義： 20 世紀四五十年代，人類在原子能、計算機、航天技術、生物工程等領域取得重大突破，標志新的科學技術革命的到來。

（ 2 ）核心：電子計算機的廣泛使用，標志人類進入信息化時代

（ 3 ）生物工程的發展：①基礎：生物學、遺傳學、細胞學和微生物學等；②核心：基因工程

2 、特點和影響

（ 1 ）特點：①起源于美國；②加快了科學技術轉化為生產力的速度；③大大促進了相關技術的革命；④在促進經濟增長的諸因素中所占的比重越來越大

（ 2 ）影響：①推動了生產力空前發展；②引起了世界經濟結構和國際經濟格局的變化；③推動了世界經濟格局的多極化

二、現代文學和美術 現代音樂和電影

文學

作品

作者

國籍

《美國的悲劇》

德萊塞

美國

《約翰·克利斯朵夫》

羅曼·羅蘭

法國

《等待戈多》

貝克特

法國

《靜靜的頓河》

肖洛霍夫

蘇聯

《鋼鐵是怎樣煉成的》

尼·奧斯特洛夫斯基

蘇聯

美術

《格爾尼卡》

畢加索

西班牙

《記憶的永恒》

達利

西班牙

音樂

爵士樂

起源于非洲音樂

19 世紀末 20 世紀初在美國南部發展起來，很快風行美國

流傳到世界許多國家

不僅影響了其他流行音樂的形式，也影響了古典音樂的創作

搖滾樂

起源于美國

60 年代風靡西方，成為一種獨具魅力的流行音樂

電影

誕生

1895 年 12 月28 日，路易盧米埃爾在巴黎大咖啡館首次把影片放映在銀幕上供許多人觀看，這一天被視為電影誕生日。

發展

篇（4）

中圖分類號：J904 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125（2015）01-0088-02

彈幕，指的是直接顯示在視頻上的評論，最早起源于日本，和日本的“宅文化”有密切關系。如今，彈幕電影已經在中國電影界嶄露頭角，成為電影觀眾新的議論焦點。觀眾可以在觀看電影的時候即時評論、吐槽，同時評論和吐槽的文字會立刻從屏幕上飛過，有時帶有其他特效。這種彈幕電影受到很多人的追捧，尤其在年輕人的世界，彈幕電影更是大大滿足了他們盡情吐槽的欲望。

一、彈幕電影的起源

（一）“宅腐”、吐槽文化的新熱

游離于網絡并且不能自拔的人，往往是在現實生活中得不到認同，在虛擬世界中社交欲望強烈的人。在中國，越來越多這樣的年輕人加入“宅男（女）一族”，這種群體概念最早源于日本，然而今天，所謂“宅腐文化”已經不僅僅存在于某一群體，而是存在于大量有抱團娛樂、虛擬社交渴求的人群。他們每遇到一件新鮮事物，或者從司空見慣的事物中發現新的樂趣，便有“不吐不快”的心理需求，并且從網絡社交里他人的吐槽中獲得認同感，滿足發泄感、新鮮感、看熱鬧的心理和獵奇心理，從而形成娛樂氛圍。吐槽文化也因此形成。

吐槽，并不是在今天才存在。從古至今，哪怕是婦女們在一起談論別人的八卦，也可稱之為吐槽。如今，各種社交平臺使任何人之間都能形成交流、互動，集體討論電影更不成問題。為了滿足觀眾的吐槽欲望，彈幕電影應運而生，它使觀看電影和評論電影同時進行，觀眾可以最大限度地發表對電影作品的贊嘆或批評，形成現場直播式的互動，這是吐槽文化發展的結果，同時也是吐槽文化發展的動力。

吐槽文化的發展，一方面來源于越來越多年輕人的獵奇、娛樂心態，另一方面也歸結于爛片給了吐槽發展的土壤。每一年，新電影層出不窮，然而真正得到贊譽的并不多，在經過多次期待與結果的反差之后，中國的電影觀眾對國產片成為“爛片”司空見慣，但還是要通過吐槽來發泄對爛片的不滿，結果，爛片雖不是好電影，卻成為了好的娛樂品。

（二）社交媒體時代的電影發展需求

社交是人作為社會性生物的必需品，而網絡社交就擴大了人的社交平臺，也給了在現實生活中難以成功交際的人群以新的交際方式。在今天新媒體時代，Social（社交）、Local（本地化）和Mobile（移動）是未來的發展趨勢。新媒體的本質，就是將以往一對一（如電話）、一對多（如傳統視頻網站）的傳播方式轉化為更加多元、立體的多對多方式。很明顯，媒體在某種程度上就是社交，它將信息在毫無關聯的人群間互動、傳遞，從而形成了社交網絡。電影作為一種主流文化的代表，自然有加強其社交能力的需求，而及時的電影吐槽，使觀眾在觀看電影的當時得到熱情互動，實現觀眾本身的社交滿足，也完成電影社交功能。

每一部新片無論好壞，總要經歷一番觀眾的口水折騰才能安歇，新的電影功能也亟待挖掘。所以，彈幕電影也是社交媒體發展的產物，使電影具備了社交平臺這一新功能，是電影發展的需求所致。

（三）電影營銷的手段

當電影已經不僅僅是互聯網時代的產物，而且是營銷時代的產物，就注定了電影不僅僅要考慮電影藝術的展現，還要注重發揮其商業價值。甚至在很多爛片的背后，都是電影制作人將電影過于商業化的結果。在電影不僅要博眼球、拼技術，還要奪票房的今天，營銷者以各種奇特的方式吸引觀眾已經不足為怪。

電影要營銷，就意味著要有一個賣點。而賣點在于滿足觀眾的需求，不論是好奇心理，還是聚眾娛樂心態，彈幕電影都能吸引他們為之消費。即使是爛片，集體吐槽也成為了一個噱頭。對于電影營銷商來說，票房第一是真理，沒有觀眾，就發揮不了電影的商業價值，更談不上藝術價值了。

二、彈幕電影的發展概況

（一）牢固的受眾基礎

在彈幕電影發展的同時，甚至是彈幕電影出現之前，就已經有了一個廣大的受眾基礎。

彈幕電影突襲電影院，看似突然，實際上在廣大的愛獵奇、愛吐槽的觀眾群體中，早已形成了吐槽互動的電影觀看模式。在彈幕電影進入電影院之前，就有很多年輕觀眾是彈幕網站的用戶。彈幕電影的發展是基于這些廣大受眾的需求，也由此固定了這片受眾，從而在這些沉浸于吐槽文化、以娛樂之上的觀眾中，彈幕電影具有極大的發展潛力。

（二）爭議中發展的彈幕電影

彈幕電影作為商業產物、娛樂產物，不得不遇到傳統電影觀眾的抵制。首先，作為電影作品，將和電影無關甚至破壞電影藝術的文字肆意添加到電影熒幕上，本身就是對作品的不尊重。再次，彈幕吐槽往往是觀眾短期內對電影的即使評價，具有強烈的主觀意識和戲謔成分，這是基于對電影藝術不熟悉、不了解的基礎上的妄自評論。除此之外，即使是一部制作精良的影片，也會受到彈幕的影響，成為吐槽大片。由于中國觀眾普遍存在對于政治、八卦、流行文化等都有窺視和傳播的欲望，而且一般人很容易受到他人價值觀的影響，所以彈幕電影很容易扭曲觀眾對電影的價值認同。

從營銷手段上，彈幕電影也遭受批評。利用吐槽來增加票房，很容易被看做是“卑鄙營銷”，因為好電影之所以獲得高票房，就在于它的藝術性和宣傳的成功，而彈幕電影對電影藝術無絲毫貢獻，也不屬于宣傳電影的范疇。

然而彈幕電影的牢固受眾并不因此改變對彈幕電影的熱情。他們認為彈幕電影是新形勢下電影發展的產物，只要滿足一部分觀眾的需求，就是有價值的。部分電影營銷商也認為彈幕電影不能單純理解為營銷噱頭，而應被看作是新的營銷手段。

（三）未來發展方向

彈幕電影因為有其廣大的受眾基礎，所以不會是曇花一現;但因彈幕電影娛樂性質強于藝術性質，所以其受眾并不成為電影觀眾的主流。因此，彈幕電影如果不能獲得更多觀眾的支持，發展就會遇到瓶頸，只能在現有的資源條件下，尋求發展的機會。除此之外，保證彈幕質量，將是彈幕電影發展的原則之一，現在，彈幕技術已經可以自動檢測不文明吐槽。

尋求不同觀眾之間的平衡點，也是彈幕電影未來發展的重點。作為新生的觀影模式，彈幕電影有自身的個性，但不能全然不顧反對者的聲音，彈幕文明化、簡潔化、人性化、將是彈幕電影的發展方向之一，也是對電影藝術的尊重。

三、結語

電影的出現，代表了新媒體時代文化發展日新月異、狂歡式的現狀，它的出現，是現代商品經濟時代下電影商業文化和社交文化共同作用的結果，同時推動電影商業化、社交化的發展。盡管彈幕電影與電影藝術本身有不可避免沖突，但作為一種新事物，應該受到理性對待。如果電影制作人用良心制作好電影，營銷商在考慮營銷時同時考慮電影的社會責任，觀眾在獵奇、娛樂之外，能有尊重電影、理性吐槽的原則，那么彈幕電影就會獲得良性發展。

參考文獻：

篇（5）

doi：10.3969/j.issn.1002—6916.2012.19.029

一、巴贊紀實美學電影理論

關于電影的紀實風格可追溯到電影的誕生之初，法國的盧米埃爾兄弟拍攝的《火車進站》、《水澆園丁》等作品是最早具有紀實風格的電影，盡管當時他們這樣做只是受限于對攝影技術和拍攝經驗的不足。 20世紀20 年代，蘇聯的維爾托夫創立了“電影眼睛派”，他們否定故事片，認為電影的本質在于如實地記錄現實。二戰之后，四五十代又出現了意大利新現實主義及其相關理論。這一時期出現了后來成為紀實美學歷史上具有里程碑意義的安德烈·巴贊，他總結了新現實主義電影的創作經驗，提出了法國紀實派的整套美學思想，之后的德國電影理論家齊格弗里德·克拉考爾被認為是巴贊的后繼者。

巴贊在《電影是什么》一書中比較詳盡完整的闡述了紀實美學的理論，歸納起來主要有攝影影像本體論、電影起源的心理學、電影語言進化觀三個方面。一，巴贊發表于1945年的《攝影影像的本體論》一文借用一哲學術語，提出關于電影本性的核心命題：影像與客觀現實中的被攝物同一。攝影取得的影像具有自然的屬性，它產生于被攝物的本體，它就是這件實物的原型。影像本體論認為，“一切藝術都是以人的參與為基礎的，唯獨在攝影中，我們有了不讓人介入的特權”，因此，電影再現事物原貌的獨特本性是電影美學的基礎。

二，關于電影起源的心理學，巴贊認為電影發明的心理依據是再現完整現實的幻想。他將人類降服時間的渴望追溯到古代的雕刻和繪畫，并提出著名的“木乃伊情結”。他認為電影是人類追求逼真的復現現實的心理的產物，這種心理因素決定了銀幕形象的真實感，決定了電影技術的完善和電影藝術的發展方向：再現一個真實的世界。

三，現實主義是電影語言演化的趨向。巴贊的電影現實主義包括三個方面：表現對象的真實；時間空間的真實（美學核心）；敘事結構的真實。為了實現這些審美理想，巴贊提出了“長鏡頭理論”。

關于紀實美學的研究，無論國內還是國外，主要都集中在對巴贊的電影理論的研究和探討。彭吉象在《影視美學》中認為，紀實性美學強調電影的照相本性和紀錄功能，它的特點是以忠實的、客觀的態度攝錄生活，保持生活客體的完整性，力求逼真地再現生活的本來面貌，揭示生活本身的“多義性”，發掘生活自身蘊含的詩情和哲理。[1]

巴贊關于紀實美學的主要觀點一個是“本體論”，一個是“真實觀”，還有一個是“紀實性”。包括巴贊本人在內，國外關于紀實美學的文章主要有巴贊的《攝影影像的本體論》、《“完整電影”的神話》、《電影語言的演進》等，克拉考爾的《電影的本性——物質現實的復原》，菲.羅森的《影像的歷史，歷史的影像——巴贊電影理論中的主體和本體論》，尼.布朗在《巴贊：當代電影理論的背景》，彼得.馬修斯在《探究現實——安德烈.巴贊在昨天和今天》，杜.安德魯斯的《巴贊的電影美學》等。

關于本體論，菲.羅森在《影像的歷史，歷史的影像——巴贊電影理論中的主體和本體論》一文中認為巴贊的《攝影影像的本體論》、《“完整電影”的神話》“這兩篇文章奠定了現象學電影觀點的成熟基礎，也闡明了巴贊著作的本體論基礎”。[2]巴贊主張用現象學來解釋攝影過程中“主體”和“客體”的分離。關于真實觀，尼.布朗在《巴贊：當代電影理論的背景》一文中指出，真實包括兩方面的內容：“第一方面是影片和由攝影描繪出來的世界之間的關系；第二方面是影片和觀眾的感知或曰社會‘真實’之間的關系”。[3]彼得.馬修斯在《探究現實——安德烈.巴贊在昨天和今天》中認為，“巴贊關于電影的現實性的定義的根據是這樣一種信念，即：電影攝影機由于能夠直接記錄周圍世界這一簡單的事實而有力地見證著造物的神奇。電影攝影機的使命就在于精確的記錄，因為它是科學的成果”。[4]而紀實性則被認為是巴贊理論的核心內容。為了盡可能的完整記錄現實，巴贊大力倡導在電影拍攝中使用長鏡頭和景深鏡頭。巴贊在《電影是什么》一書中提到，景深鏡頭“使觀眾與畫面的關系比他們與現實的關系更為貼切”，[5]景深鏡頭和長鏡頭的結合“能夠完整表現事物存在的實際時間、事件發展的過程。” [6]

盡管巴贊真正從事電影理論批評活動的時間并不算太長，但卻獲得了非常豐富的理論成果，也對世界電影的發展產生了重大影響。王志敏在《理解巴贊：攝影影響本體論與紀實美學是數字技術的挑戰還是攝影技術的挑戰》一文中這樣評價巴贊，“幾乎可以說是開創了一個全新的電影時代，其影響范圍之廣，影響時間之久，堪稱電影理論批評對電影創作產生重大影響的一個幾乎是絕無僅有的特例。” [7]

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在藝術的大家庭中，電影和電視是一對最年輕的成員。在所有的藝術門類中，也唯有電影和電視是我們迄今知道其誕生日期的藝術品種。尤其是電影與電視共同組成的一種文化――影視文化，對20世紀人類社會生活產生了巨大的影響。

電視的的起源比電影足足晚了半個世紀，他沒有經歷過向電影一樣的“偉大的啞巴”時期。但電視的發展速度幾乎是其他傳播媒介無法企及的，隨著科技的發展，電視很快追上電影發展的速度。

兩者從起源之初就作為同一門藝術的不同表現形式，共同為社會帶來了巨大的影響。一部優秀的影視作品，可以讓人從中獲得豐富的社會歷史知識和生活知識，可以提高人們觀察生活、認識生活的能力，可以培養人們高尚的思想情操和健康的審美觀念，并從中學會如何區別生活中的真偽、善惡、美丑。一部庸俗、低級趣味的影視作品，也會給社會尤其是青少年帶來極壞的負面影響。

二、電影藝術和電視藝術在競爭中互補

電影藝術和電視藝術在出現那天起便處于不斷的競爭當中，這主要表現在電視的出現對電影播放載體的嚴重沖擊，而在現實生活中，當電視對電影的沖擊沒有造成必須解決的社會問題是，這一現象便不會引起太大的關注。因此，這一問題就日復一日的循環下去，然而，隨著時間的發展，部分學者發現，電影院入座率的下降跟電視并不存在本質上的聯系，之所以出現這一困難，主要是因為電影院的服務和環境不佳所造成的。

而這種競爭同時也造就了電影藝術和電視藝術的互補。主要表現在，首先，信息傳輸的互補策略。主要指電視對電影的信號傳輸。其次，技術、藝術的互補策略。最后，宣傳上的互補。電影可以通過電視的影響力宣傳自身，以強化電影宣傳對電視的滲透，電影利用電視宣傳可采用廣告宣傳、新聞宣傳、專題宣傳等等。

三、電影藝術和電視藝術是同一門藝術的不同形式

電影藝術和電視藝術屬于不同的藝術表現形式，它們有著不同的表意符號體系，這種固有的差異使我們不同將電影藝術和電視藝術混為一談。但這種差異并不能看成是本體的本質上的差別。

（一）電影藝術和電視藝術是同一門藝術

電影藝術和電視藝術屬于同一門藝術，在本質上有很多相似性和共同性。下面，我們就兩種藝術表現形式的內在聯系加以討論。

1.電影和電視都是由影像構成的視聽藝術。首先，兩者都是流通逼真的畫面。畫面是影視藝術的語言，影視藝術在再現生活的流程和客觀事物的運動態勢時，給觀眾以身臨其境的感受。正因為如此，才有活動的照相之稱。影視藝術的畫面，與鏡頭的長短有及其密切的關系。其次，兩者都有獨特的蒙太奇結構。這不僅創造了影視藝術獨特的時空，而且豐富了畫面的內涵。最后，兩者所二次傳達的藝術形象的定型化。影視藝術形象與觀眾的當場反應沒有直接的聯系，影視藝術觀眾的鑒賞態度和鑒賞心理都不同于其他藝術。

2.電影藝術和電視藝術都是一種文化產業。與傳統的小說、繪畫的藝術不同，電影、電視不是那種僅僅靠個人的想象與創造就能完成的的作品。他們需要進行社會化的集體生產，需要大量的資金投入和標準化、規模化的播出、放映渠道。從根本上講，電影和電視都是一種在既定的體制下進行的集體創作，任何個人的藝術想象只能被納入整個生產體系中才能夠真正完成。

3.從藝術語言上講，電影和電視都屬于一種語言符號，他們具備符號系統的一系列語言特征，它與音樂、繪畫具有同質性。影像語言中的事物永遠是單一的事物。

4.從傳播學的范疇來講，電影藝術和電視藝術都是一種大眾傳播媒介。他們不僅向人們展示重大事件，而更多的向人們奉獻奇觀、趣聞、妙事。電影和電視藝術通過大眾影院向觀眾傳輸各種信息，滿足他們的不同心理需要。于此同時，完成對大眾的精神向導。目前，還沒有比電影和電視更普及、更逼真、有效的傳播方式能夠將其取而代之。

（二）電影藝術和電視藝術的區別

從本體上看，電影藝術和電視藝術同樣存在差異性。

1.從審美特性上來看。電影藝術和電視藝術有其各自的美學特性。從表現手段上來看，電影比較注重畫面的視覺效果。聲音處于從屬地位。比較中注重畫面和場地的描寫。從欣賞上看，電影的觀賞更正規、嚴謹，電影屏幕寬大、空間廣闊，給人的感受強大，有震撼力。從內容結構上來看，電影選材廣泛，不論是生活事件還是歷史事件都能當成素材。從理論研究上看，電影成熟期較早，理論研究更專業更深刻。相比來講，電視藝術則是一種“新的概念”它是一種獨立餓藝術形式，所以更重要的是一具電視藝術的本體美學屬性，以全新的方法、全新的概念，系統的研究闡述，全方位的探討。電視藝術的創作，要給觀眾獨特的審美享受。

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無論國內外，認同一直是電影創作的永恒話題之一，像臺灣眷村電影《艋胛》，香港臥底電影《無間道》，西方電影《海上鋼琴師》《黑天鵝》《辛德勒名單》等等，都反映了個體對自我和群體的探索。但是在一部電影中，既有對我是誰的質問，又有對我們是誰的探索，還有對我們未來的疑問，能同時反映這三個主題的并不多見，電影《普羅米修斯》作為《異形》的前傳，就是帶著對這一問題的思考來到人們面前 我是誰？我們是誰？從哪里來？到哪里去？ 

影片中故事起源于湯占公司的大老板維蘭德在垂死之際，希望通過尋找人類起源延續自己的生命，與此同時，科學家伊麗莎白·肖和查理·赫洛維發現人類可能是由遙遠星系的外星人創造的。在不同目的的推動下，維蘭德派出普羅米修斯號飛船，帶領伊麗莎白等科學家以“科考”的名義去尋找人類的起源。影片中還有一個非常重要的角色戴維，他是維蘭德創造的仿生機器人，維蘭德說，戴維的官能、力量和思維都比人類發達千萬倍，唯一的缺點是沒有靈魂。戴維表面上是幫助維蘭德尋找長生不老的秘密，實際上是想獲得真正的自由。于是一群不同目的的人踏上了同樣的未知之旅。 

二、 《普羅米修斯》中的認同困惑 

（一）機器人戴維的自我認同困惑 

戴維在電影的開場不久就出現，他有著精致的外表、輕盈而利落的動作，不停地在飛船內忙碌。沒人的時候，他看電影《阿拉伯的勞倫斯》，對著鏡子模仿男主角的發型和語言，他還喜歡打籃球、騎自行車。他不需要呼吸，還故意扣上呼吸面罩，即便遭到赫洛維的諷刺。這說明，戴維極力去模仿人類的行為，想方設法地成為人類。他因好奇而偷窺伊麗莎白的夢境，從而思考人類創造他的目的。盡管他比人類聰明千萬倍，人類卻沒把他當回事，甚至認為他和烤面包機沒什么區別。聽到維蘭德贊美他像兒子一樣時，他十分欣喜，但隨后聽到評價他沒有靈魂的時候，他的心情如同臉色的變化一樣，陰沉又轉而隱藏。這說明戴維極力掩飾自己的機器人身份，想成為一個人，人類卻沒有接納他，仍把他看做是一個簡單的機器。戴維努力向人類靠攏，但總是受到人類的拒絕與嘲弄，這讓他在心理上難以接受。 

社會心理學中，身份認同的本質是心靈意義上的歸屬，更關注的是人心理上的健康和心理層面的身份認同歸屬。社會心理學家哈金曾說，無數種人以及人的行為與貼在他們身上的標簽一起攜手誕生。戴維是一個機器人，這種標簽他極力反抗，卻無法改變。他的身份認同是矛盾的、斷裂的，理想的自我和現實的身份之間沒有連接的橋梁，他必須建立起新的身份認同來抵御心理上的不平衡。當他和人類接觸多了之后，發現他的造物主們沒有他聰明，且血肉之軀不堪一擊，戴維由向往人類變得憎恨人類，認為自己是高于人類的存在。他獨立發現仍在休眠的太空騎師，首先看到太空騎師留下宏偉壯觀的宇宙全息影像圖，只有依賴于他，科考隊才能夠與太空騎師交流，于是，戴維轉而希望獲得太空騎師的認同。但戴維的結局讓觀眾大驚失色，太空騎師被喚醒后，伸手撫摸戴維，卻沒有寵愛他，而是像踩死螞蟻一樣用力擰下了他的頭，這一刻，失望的戴維幾近流淚。可以說，戴維的兩次身份認同都以失敗告終。影片最后，戴維要與創造了他又被他鄙視的人類——伊麗莎白繼續合作，逃離險境。逃離后，戴維覺得應當回到地球，但伊麗莎白重拾夢想，想繼續探索為什么外星人在創造了人類之后，又要毀滅人類。戴維不理解為何在乎這些，伊麗莎白說：“那是因為我是人類，而你是個機器人。”這或許就是對戴維兩次身份認同失敗的最好解答。有研究認為，戴維的塑造違反了科幻作家制定的機器人原則，必須服從人類和必須知道自己是機器人原則（即必須明確自己的身份認同）。本文認為戴維的結局恰恰印證了這些原則，如果機器人不能準確定位，便不能善終。 

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電影音樂即出現在電影中的音樂，它主要是為了烘托氣氛增加影片藝術效果而生，因此又名電影配樂，電影配樂誕生于20世紀，是一種新型音樂體裁。在電影綜合藝術中，配樂是不可缺少的一部分，它具有一般音樂的共性，同時也具有自身的特性，隨著電影被觀眾感知。電影配樂有多方面的作用，它不僅可以烘托氣氛增加藝術效果，在人物形象的塑造和人物情緒的渲染方面也起著重要的作用，電影配樂上可以折射出導演的藝術構思，同時它對影片情節的轉變有很強的啟示力。隨著電影音樂在影片中作用的突出，電影音樂迎來了發展的春天，從音樂片段的選取到創作手法和音樂素材的選擇，每個環節都受到了作曲者的重視，同時也吸引了更多欣賞者的目光。作為電影的重要組成部分，試想一下如果剔除了電影音樂，電影的藝術效果可想而知。音樂作為一種抒情性語言，若缺乏了民族音樂元素就等于缺乏了情感和靈魂，電影音樂將失去渲染氣氛的作用。香港地處繁華，表達方式和文化語境都受到了西方文化的影響，與內地產生了較大的差異，但它作為中國的一部分，它的屬性和根源都源于中國傳統文化，因此，民族音樂元素在香港電影配樂中始終未曾消逝，在眾多香港電影中，我們都能發現民族音樂的存在。

一、民歌曲調

民歌即帶有民族屬性的傳統歌曲，通常每個民族都會有屬于自己的歌曲，這些歌曲的創作者不詳，口口相傳流傳至今，因此這些歌曲是各族人民生活的沉淀，歌詞會反映一個時代人民的現實生活狀況，所以民歌具有精短簡潔的特點。根據音調特征和表達方式民歌可分為三類，即小調、山歌和勞動號子。大多數武俠電影和香港喜劇中都會包含一些民歌曲調，在電影配樂中融入一些具有民族特色的旋律，例如《審死官》，這是一部古裝喜劇電影，影片是以廣東省作為拍攝背景，隨著情節的變化，拍攝鏡頭也隨之轉向了山西，為了比較山西和廣東的不同，突出山西特色，導演安排了布政司大人母親的竹笛演奏，演奏的歌曲是《交城山》，這是一首極具山西特色的民歌曲調，此時電影配樂不僅具有烘托氣氛推動情節的作用，它的出現是為了突出故事發生地點以及人物身份；《媽媽娘你好糊涂》是著名的喜劇影片《唐伯虎點秋香》的一首插曲，這首插曲源于遼寧海城，經改編之后極具東北特色，詼諧風趣的東北調縈繞著整部影片，為影片制造了更多詼諧的喜劇氛圍，因而成為本片的經典的主題音樂；《新龍門客棧》是香港新派武俠電影，該影片中的插曲《大漠里的妹妹愛哥哥》經由客棧伙計合伙演唱，該插曲率真熱情，充滿豪放之氣，淳樸的情感、爽朗的旋律、直白的語言將大漠漢子的熱情奔放展露無遺。

二、民族器樂

（一）民族器樂曲

不論是武俠電影還是香港粵語電影，傳統器樂曲一直是香港電影中不可缺少的元素，尤其是民族管弦樂早已成為配樂人的首選樂曲，隨著電影影響范圍的擴大，部分配樂成為經典配樂片段，經過后期的加工配樂成為具有標題性的音樂。這些配樂在香港影片中又有了另外一個名稱——“罐頭音樂”，不可否認的是“罐頭音樂”的出現推動了香港電影的發展，同時也推動了電影音樂的發展。

在《新龍門客棧》《鹿鼎記》《功夫》《大內密探零零發》和《大話西游》這些電影中都有一些打斗的場面，為了渲染出緊張嚴肅的氛圍，它們統一選取了傳統的琵琶武曲作為影片的配樂；《黃飛鴻》中的插曲《旱天雷》極具廣東色彩；而在《鹿鼎記》《大話西游》《黃飛鴻之男兒當自強》和《大內密探零零發》中都選取了《小刀會序曲》作為影片的插曲來渲染影片的緊張氛圍；武俠電影《功夫》為了營造打斗場面的震撼效果，選取了《東海漁歌》和《將軍令》作為電影的配樂，在民族樂器的演奏下打斗場面的藝術效果變得異常激烈；《闖將令》是“”時期創作的民樂，后來作為武俠電影《如來神掌》的主題曲出現，經改編合奏等處理成為《如來神掌》的標題性配樂。縱觀香港電影就可發現，民族器樂曲是香港影片電影音樂的主要組成部分，民族器樂曲逐漸變成了一種經典配樂。

（二）民族樂器

論民族樂器的種類，我國擁有的樂器種類位居榜首，民族樂器根據演奏方式分類可分為“彈撥樂器”“拉弦樂器”“吹奏樂器”和“打擊樂器”，每種材質制作的樂器都有其獨特的音色。從音色的主次進行分類，樂器的音色分為“主觀”和“客觀”兩種，因此，同一件樂器可以將不同的情緒表達出來，而民族樂器的本身也具有獨特的音樂色彩。香港電影配樂的選取會根據情節的需要選擇不同材質、不同音色的民族樂器，這是香港電影配樂的一個重要特征。

鼓在我國民族樂器中算是元老級，它屬于打擊樂器，威武的氣勢、雄壯的響聲使得它經常出現在戰場上。在《審死官》這部電影中，影片伊始由鼓聲引導進入主旋律，威武的鼓聲烘托出了公堂的公正嚴肅，在大部分民樂合奏中，鼓的出現是為了增強曲調的節奏性；在《黃飛鴻》這部影片中，有幾場舞獅的場面，舞獅的伴奏樂器以鼓為主，鼓與舞獅在傳統文化中作為一個有機的整體出現，在民族音樂中鼓有自身獨特的表現形式。古箏是我國古老的民族樂器，它具有優美的音色、寬廣的音域、豐富的演奏技巧，表現力相當豐富，在音色上具有含蓄、清越等特點。《流光飛舞》是武俠電影《青蛇》的插曲，該插曲主旋律的制作來源于古箏，在古箏清越典雅的音色中江南水鄉的清秀美麗展露無遺；有名的古箏插曲《滄海一聲笑》馳名于武俠電影《笑傲江湖》，盡管古箏是作為伴奏樂器出現，但在任盈盈的一挑一抹中彈奏出了滄桑的江湖。

三、戲曲音樂

戲曲是一門綜合型藝術，它結合了對白、歌唱、音樂、雜技、舞蹈和武術等多種表演方式，我國的民族戲曲劇種，大約有360種之多，而傳統劇目的種類則成千上萬。戲曲的內涵包括唱念做打，因此上臺表演的演員都需要有扎實的基本功，不僅會說會唱還要求會演，在戲曲藝術中戲曲音樂是很重要的一部分，戲曲音樂包括旁白、唱腔、開場、過場音樂和器樂伴奏。在香港電影中常會出現一些豫劇音樂或者黃梅戲之類的戲曲音樂，戲曲作為一種特色表演形式和敘事載體受到了電影音樂的熱捧。

（一）京劇

京劇在所有戲曲中是近年比較流行的一個曲種，電影《鹿鼎記》中的插曲就借用了一段京劇曲調，即小寶與皇帝的武藝切磋，此時的音樂片段是來源于京劇曲牌中的[夜深沉]。[夜深沉]綜合了昆曲《風吹荷葉煞》和《思凡下山》兩首曲子，以其中的四句歌腔作為[夜深沉]的主要唱詞，再利用民間音樂的創作方法對這四句歌腔進行加花、壓縮、刪減、填充和整合而成，整段曲調的演奏是以京胡為主奏，南堂鼓協奏。該曲在《霸王別姬》和《擊鼓罵曹》等電影中都曾作為配樂出現，哀怨的曲調配合著虞姬舞劍的畫面，為影片營造出一種氣勢恢弘的氛圍。將氣勢恢弘的曲調使用在小寶和康熙玩耍的打斗中，整個場面呈現出一種滑稽可笑的戲劇氛圍，加強了影片的藝術效果。《笑傲江湖》是由香港的胡金銓導演的，他是我國新派武俠片的創始人，受傳統文化的影響他導演的武俠片中“京味”很重，京劇的影響使得整部影片呈現出濃重的舞臺感，例如古公公和岳不群的較量，在升堂審問時融入了一段京劇串詞，同時輔以鑼鼓等樂器伴奏。

（二）黃梅戲

黃梅戲又稱黃梅調或采茶戲，是五大劇種之一，黃梅戲最初起源于民間，細致淳樸的表達方式，通俗易懂，優美動聽的旋律、行云流水的唱腔具有濃郁的鄉土氣息，為它贏得了大把觀眾，黃梅戲的表現能力很強，抒情明快是黃梅戲的主要特征。19世紀中期的黃梅調在香港達到了創作，“黃梅調”是建立在黃梅戲的基礎上，委婉清新的曲調細膩動人。在喜劇電影《東成西就》段王爺表演歌舞的配樂中，有一段[漁家住在水中央]的配樂曲調，該曲調的旋律來源于黃梅戲，與電影《天仙配》中的音調一致。

（三）粵劇

粵劇源自南戲，起源于廣東佛山，屬于地方戲種，在20世紀五六十年代的香港文化中，粵劇是一種比較流行的表演形式，因而早期拍攝的香港電影粵劇戲曲占據了相當分量的比重，尤其是粵劇形式的歌舞在香港電影中隨處可見。在《東成西就》中有一個段王爺與黃藥師合唱《做對相思燕》的場景，該曲調的唱腔就是來源于粵劇的改編；另外在《唐伯虎點秋香》和《花田喜事》等喜劇電影中也出現了粵劇音樂片段，這些音樂片段都具有敘事的功能；《唐伯虎點秋香》借助粵劇名曲《胡不歸之慰妻》來講述唐伯虎在8個老婆的折磨下訴說心聲，哀怨的曲調突出了唐伯虎內心之苦悶。

四、曲藝音樂

曲藝是歌唱藝術和民間文學的融合，它綜合了中華民族的各種“說唱藝術”，屬于藝術形式中比較獨特的一種。曲藝是建立在民間文學的基礎上，同時又融合了表演、音樂和說唱，在我國傳統藝術中有較長的歷史。音樂在曲藝中占極大部分的比例，曲藝中的音樂由樂器伴奏和唱腔兩部分組成，但主要以唱腔為主。曲藝中的“說”在音樂的伴奏下更具節奏感、韻律感和跌宕感，而“唱”更趨向于口語化，由此可見“說”和“唱”在表演過程中是相互融合的。在香港電影中，特別是喜劇電影，曲藝音樂在影片中作為敘事體存在，曲藝的融入使得影片更具喜感。

快板是曲藝中的一種，通常用來烘托人物的緊張情緒，快板又叫“數來寶”，說辭對仗押韻，用竹板打出歡快的節奏，快板起源于宋朝，有悠久的歷史，在藝人沿街賣藝時常見，隨編隨唱屬于即興發揮，說唱詞多來源于對社會現狀的見解和自身的感情表達。在《唐伯虎點秋香》這部電影中，唐伯虎為了進入華府當家丁，在華夫人面前即興創作了一段快板表演，將悲慘的家族史作為說詞，配合著碗筷的節奏，盡管句式結構不夠嚴格，但他的表演方式與快板的特征基本符合。

[參考文獻]

[1] 張曉云.武俠電影配樂中的中國民族音樂[J].西南師范大學學報：人文社會科學版，2007（02）.

[2] 羅婷.淺析中國電影音樂中民族音樂元素的運用[J].電影文學，2009（09）.

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影像動畫藝術之所以能在電影媒介中得到廣泛運用并非偶然，若從專業角度來看，電影與動畫的都是以定格畫面為基礎發展而來的視覺化藝術，而且在影視動畫藝術前期發展中，影像動畫的鏡頭組接與剪輯手法與電影創作依然有著眾多相似之處，加之影像動畫的普及化發展是建立在電影媒介基礎之上的，使影像動畫藝術創造與電影媒介有著密不可分的內在聯系。

（一）影像動畫藝術的發展脈絡梳理

翻開歷史篇章，影像動畫的早期發展是在維多利亞時期，魔術幻燈、西洋鏡可作為影像動畫的前身，多以實時影像為主，但無法存儲的弊端使其難以得到普及發展。進入20世紀以后，電影媒介走進人們的日常生活，攝影、膠片技術的誕生，為影像動畫翻開了新篇章，手繪、逐幀拍攝等創作手法成功克服了影像動畫藝術不可保存的弊端，使大量優秀的作品走進了人們的生活。迪士尼公司創作的白雪公主、唐老鴨、米老鼠等動畫形象也成為數代人銘記終身的經典，而這一期間內國內動畫藝術創作也有《葫蘆娃》《小蝌蚪找媽媽》《大鬧天空》等大量優秀作品。在科技創新的推動之下，計算機網絡技術在為人們的生活日常帶來更多便捷之時，該項技術也為眾多藝術領域注入了新的活力，影像動畫藝術就是其中之一。在數字化媒體時代，影像動畫的創作發生了質的變化，除傳統二維平面動畫以外（即傳統動畫），3D技術的融入使影像動畫的視覺沖擊力更強。

（二）影像動畫藝術與電影媒介的不解之緣

盡管影像動畫藝術發展起源已有上萬年的歷史，但若深究其發展脈絡，影像動畫藝術的普及化發展應在20世紀，期間大量優秀的影像動畫作品倍受大眾喜愛，而推動其發展的正是電影媒介。電影作為最早的動態視覺化傳播媒介，眾多藝術門類在其早期視覺化發展之中都在嘗試利用電影媒介來對自身進行推廣，影像動畫藝術就是其中之一。迪斯尼成立以后，為迎合大眾的觀影習慣，1928年迪斯尼以電影表現形式創作了首部長篇動畫電影《白雪公主》，從此拉開了動畫電影的發展序幕。1935年到1955年期間，迪斯尼公司還利用電影的創作思維創作了大量優秀的動畫電影作品，如聞名于世的《三只小豬》《花兒與樹》及米老鼠系列動畫電影，其中米老鼠系列動畫電影還榮獲了1952年奧斯卡金像獎，也使影像動畫與電影結下了不解之緣。[1]

二、 解析影像動畫視覺表現手法的獨特魅力

縱觀影視動畫藝術的發展脈絡，我們不難看出，影像動畫藝術的普及化發展道路是建立在電影藝術發展之上的，無論是美國迪士尼公司所創作的大量優秀影像動畫作品，還是國內早期所創作的《小蝌蚪找媽媽》《大鬧天空》等影視動畫作品，電影媒介都是影像動畫藝術的首選載體。但若從表現手法及創作角度來看，影像動畫藝術創作的視覺表現有著其獨特之處，尤其是進入數字媒體時代后。經眾多影像動畫創作大師的辛勤付出，如今的影像動畫藝術創作已日漸成熟。鑒于大眾對于電影媒介的普遍認可，影像動畫藝術的大量作品的傳播推廣依然離不開影視媒介的支撐。綜合近期幾年影像動畫藝術的發展來看，其視覺表現手法的獨特魅力主要體現在以下幾個方面：

（一）色彩運用更為豐富

色彩基調是眾多通過視覺來表現的藝術門類必須考慮的要素之一，在影像動畫藝術的創作過程中，色彩基調是創作大師們優先考慮的環節。在影像動畫的發展之中，動畫作品的創作都是通過手繪方式實現的，對于創作者的美術功底要求較高，但也為其帶來豐富的創作空間。例如，在我國早期的影像動畫作用當中，《大鬧天宮》在色彩基調的把控上就具有自身獨特的魅力，創作者在繪畫時，不會過多考慮外在因素限制其主觀思想的情感表達，可充分發揮自身想象力進行色彩搭配，大膽的用色不僅使得該部作品具有濃厚的民族氣息，也使畫面更具沖擊力與想象力，主要人物孫悟空看似隨意紅、黃搭配堪稱類似人物創作的經典配色，2015年上映的《大圣歸來》在孫悟空人物的創作的，配色上依然傳承了我國早期影像動畫創造經驗，除此之外2016上映的《大魚海棠》不僅故事題材取自我國古典文化《莊子?逍遙游》，其色調基調的搭配也極具中國傳統文化特性，在推動國內影像動畫產業發展的同時，也向世界展示了中華民族傳統文化的魅力。

（二）人物造型更具個性

人物造型是話劇、歌劇、電影、電視、動畫等眾多藝術門類在創作之中都需涉及的環節，但多年的發展實踐表明，影像動畫的人物造型是眾多藝術門類之中最具有個性化的。例如，近期上映的動畫《冰川時代5》的人物設計當中，突破客觀事實的、擬人化的人物造型方式為都體現影像動畫在人物造型中獨特的魅力與優勢。縱觀影像動畫的發展歷程，在多年發展之中米老鼠、唐老鴨、多啦A夢、湯姆與杰克、大力水手以及中國近期動畫所創作的喜羊羊與灰太狼等眾動畫人物形象，在為人們帶來歡聲笑語的同時，典型化、個性化人物造型所折射出的深刻蘊意也時常引起人們深思，引發人們思考更多關于人性的問題，達到進化人們思想的作用，例如《海底總動員》中小丑魚對自由的渴望、《怪物史萊克》對愛情的追求以及近期《大圣歸來》的孫悟空對善的追求、《搖滾藏獒》中波弟對音樂的執著等優秀影像動畫作品人物，不僅在人物造型方面極具個性，所宣講的真、善、美也值得大眾學習。[2]

（三）動作設計更為夸張

我們不難看出，“運動”在影像動畫視覺表現中的重要性，加之影像動畫藝術創造不會受到客觀現實的制約，為此，在動作表現上影像動畫創作依然具有自身的優勢。例如在家喻戶曉的《貓和老鼠》影像動畫之中，該部作品大量引人發笑的場景設計源自于湯姆追趕杰克的戲份，創作者則充分利用影像動畫在視覺表現上對“運動”的獨特優勢，天馬行空的追逐畫面極具創意。伴隨數字化時代的到來，影像動畫藝術在動作設計上的獨特優勢又再一次得到體現，例如在《功夫熊貓》《小黃人》系列、《冰雪奇緣》《冰川時代》等眾多在數字媒體時代所創作的影像動畫作品，各種人物的動作設計視覺沖擊力較強，極其容易調動觀眾的情緒，讓觀眾感受的觀影的樂趣。

三、 影像動畫藝術表現手法在電影媒介中的巧妙運用

盡管影像動畫藝術與電影媒介已有較深的內在聯系，但鑒于兩者視覺表現手法上的差異，也使得的影像動畫藝術與電影存在本質上的區別。電影的本質在于利用攝影機的照相功能對現實社會中客觀存在的事物進行真實性描述，為觀眾展示的是特定的人、特定的環境下所發生的事件，一部優秀的電影作品在充分還原現實生活的同時能給予人們心靈的慰藉；影像動畫則不同，動畫的創作手法決定影像動畫作品是藝術與技術的有機結合，其藝術性體現在視覺的表現上，影像動畫藝術能給予創者更多創作空間，可將小說、文學、音樂、傳統繪畫等眾多藝術表現形式融入其中，所創造的作品既可是對現實生活場景的還原，也可是創作者自身想象的、假定的場景。從創作角度來講影像動畫藝術在視覺表現上具有更多的優勢，致使影像動畫在利用電影媒介進行傳播之時，電影創作者們也在通過不斷的嘗試將影像動畫的視覺表現手法運用到電影作品的創作當中，其中主要體現在以下幾個方面：

（一）電影創作對動畫視覺表現風格的借鑒

鑒于影像動畫在視覺表現上的特殊魅力，電影在發揮自身媒介功能對其進行傳播之時，電影創作者們在視覺表現上也逐步嘗試引入影視動畫的視覺表現手法將之融入到電影藝術作品的創作之中，其中也有大量較為優秀的作品值得電影創作者們學習與借鑒，例如昆汀?塔倫蒂諾在電影《殺死比爾》，在視覺表現上就運用了大量影像動畫的視覺表現手法，不僅使得影片的打斗場面更加宏偉，也使得該片的整體風格更加新銳；除此之外，《罪惡之城》系列電影也在制作中運用了大量影像動畫藝術的視覺表現手法。[3]從題材上來看，《罪惡之城》改編自弗蘭克米勒同名漫畫，為此在視覺表現上該片在拍攝之時也創新式的融入了影視動畫的視覺表現手法，個性化的人物設計，夸張的打斗場面以及突破常規的用色，使該片在大眾心中留下了深刻印象，還在世界各大影展上榮獲4大獎項與12項提名優異成績。

（二）將影像動畫人物運用到實景拍攝當中

將動畫人物運用到實景拍攝當中，也是近幾年電影拍攝常用的手法之一，尤其是在3D技術與CG技術快速發展的今天。在電影的早期發展之中，還原真實場景是電影創作的主要表現形式，但伴隨電影的多樣化發展，電影涉及種類也日益豐富，除劇情片、動作片以外，科幻題材電影深受大眾喜愛，在國內電影市場當中還有以我國傳統神話故事為主題拍攝的電影。早期的電影拍攝，一方面由于缺乏相關技術上的支持，另一方面在視覺表現手法上缺乏創意，很大程度上限制了該類電影的發展。如今科技創新日新月異，在相關技術的之下具，有前瞻性思維的新銳導演也在嘗試將影像動畫人物運用到實景拍攝當中創作手法來制作電影。雖然《海底總動》《玩具總動員》等電影當中觀眾都會看見真實拍攝場景，但將該種視覺表現手法運用得較為成熟的電影，應屬在2015年上映的《捉妖記》，該片核心人物之一――胡巴就是采用較為典型的影像動畫視覺人物造型設計出的人物，將其運用到實拍場景當中雖然具有一定難度，但在制作團隊的精心設計之下也使得的該片成為2015年上映的熱門電影之一，創下了24億元票房。[4]

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中圖分類號：J975.1 文獻標識碼：A 文章編號：1005-5312（2012）08-0149-02

電影在美國是最早具有強大影響力的電子媒體形式之一。恐怖電影試圖激起觀眾的恐懼心理，不斷地吸引著不同受眾。隨著電影的發展以及社會與文化的變遷，美國恐怖電影的表現形式和恐怖內容也不斷地進行著調整和變化。

一、美國恐怖電影發展的四個階段

隨著社會的發展，美國恐怖電影的表現形式和恐怖內容也不斷地進行著調整和變化。縱觀美國恐怖電影的發展歷史，本文大致把它劃分為原始期、發展期、分化期和融合期四個階段。

第一階段是美國恐怖電影的原始階段，它從十九世紀末電影的出現開始到二十世紀二十年代有聲電影的出現為止，也就是美國電影歷史上的默片時期。1910年愛迪生第一次把傳說中的吸血鬼――“德拉庫拉”搬上銀幕，宣告了美國恐怖電影的誕生。隨后較有影響力的恐怖電影有《科學怪人》(1910)、《吸血鬼》(1913)、《鐘樓駝怪》(1923)、《化身博士》(1920)和《劇院魅影》(1925)等。這一階段的恐怖電影受舞臺劇和魔術的影響較大，比較重視舞臺布景和演員化裝，題材一般局限于民間傳說或文學作品中的魔怪。

第二階段是美國恐怖電影的發展階段, 處于二十世紀三四十年代。隨著二十年代末有聲電影和電影制片廠制度的出現，美國電影工業迎來了第一次大發展。在1931年好萊塢環球電影公司制作發行了《德拉庫拉》和《科學怪人》，取得了巨大成功，奠定了恐怖電影在美國電影產業的地位。緊接著出現的《木乃伊》(1932)、《畸形人》(1932)、《金剛》(1933)和《科學怪人的新娘》(1935)等都是這一階段的代表作。以低成本和粗制濫造為特色的B級片在四十年代開始盛行，B級片的出現壯大了美國恐怖片的市場，很多恐怖片都作為B級片來拍攝，深受好評的有《狼人》(1941)、《貓人》(1942)、《與僵尸同行》(1943)和《獵尸者》(1945)等。可以看出這一時期的美國恐怖電影題材很多與第一階段相同，但是電影拍攝及生產逐漸發展成熟。

第三階段是美國恐怖電影的分化階段，從五十年代開始到八十年代。這一階段的美國恐怖電影不再局限于各種傳說及文學中的魔怪，開始表現日常生活中的恐懼，并且常常與科幻的元素結合在一起。一方面是擁有巨大破壞力的各種變異怪物開始出現，如《它來自海底》(1955)、《狼蛛》(1955)和《地球與蜘蛛之戰》(1958)等。同時，外星人也成為一個熱門的恐怖題材，如《火星入侵地球》(1953)、《天外奪命花》(1956)和《外星人入侵》(1957)等。六十年代起美國恐怖電影開始表現各種社會恐怖，如表現性格扭曲的人所帶來的威脅的《精神病患者》(1960)、《蘭閨驚變》(1962)和《蝴蝶》(1965)等，還有表現畸形嬰兒的《魔鬼圣嬰》(1968)、《它是活尸》(1974)和《活尸歸來》(1978)等。另外作為恐怖電影的一個亞類型，肢解電影(slasher film)從七十年代起蓬勃發展起來，它們通常形象生動地描繪病態殺手如何用殘暴的方式悄悄跟蹤并殺害一系列受害者，如《德州電鋸殺人狂》(1974)、《13號星期五》(1980)和《平安夜殺人夜》(1984)等，表現了日常生活中的混亂和危險。

第四階段從九十年代開始持續到現在，不同恐怖題材的融合是這一階段的主要特點。美國恐怖電影在這一階段涵蓋了歷史文化與社會生活的所有領域。這一時期的特點首先表現在對經典恐怖電影的重新闡釋，如《蘭閨驚變》(1991)、《劇院魅影》(2004)和《蠟像館》(2005)等，吸血鬼和同性戀成為一個熱門的恐怖主題，如《夜訪吸血鬼》(1991)、《本能》(1992)和《女魔頭》(2003)等。災難恐怖片繼續盛行，如《侏羅紀公園》(1993)、《異種》(1995)還有《狂蟒之災》(1997)。還有一些低預算的心理恐怖片，像《第六感》(1999)、《女巫布萊爾》(1999)和《小島驚魂》(2001)等由于緊緊抓住觀眾的恐怖心理，也取得了巨大成功。

在當代，隨著經濟的發展，娛樂成為人們最大的精神需求。美國恐怖電影商業化傾向日益明顯，在商業利益的主導下的恐怖電影緊緊抓住觀眾喜好，打破了以往的傳統約束，幾乎任何的社會問題和社會焦點乃至人們的常生活中的任何元素都可以成為恐怖電影的取材對象，加上科技與藝術水平的提高，美國恐怖電影不斷開創著新的歷史。

二、美國恐怖電影的文化內涵

神話和文學是各種恐怖類型的主要起源，二十世紀開始迅速發展的大眾傳媒為各種恐怖類型的呈現提供了新的平臺。從文學到電影，恐怖形象的基礎結構并沒有改變，它們都是人類解釋未知事物的一種方式，同時滿足人們理解各種無法控制的抽象事物的心理需求。恐怖電影也是現實生活的反應，因此我們應當以發展的眼光來對待不同時期的恐怖電影及恐怖形象。

美國三十年代的經濟大蕭條促成了恐怖電影的蓬勃發展。面對突然降臨的生活災難，讓人們徹底地迷失了方向，在這樣的精神狀態下，恐怖電影為人們提供了某種精神寄托與逃避現實的方式。兩次世界大戰同樣激發了民眾對恐怖電影的狂熱，戰爭的殘酷現實和恐懼不斷地投射到恐怖電影中，各種血腥場景映射了現實戰爭的恐怖，而科學怪人那種死后的畸形重生則成為了部分與死亡恐懼相抗衡的心理慰藉。

美國五十年代的經濟繁榮是建立在殘酷的第二次世界大戰的基礎上的，正準備好迎接美好新生活的美國民眾發現美國又卷入了朝鮮戰爭和與蘇聯的冷戰，他們的生活仍然處于各種恐怖陰影下。第二次世界大戰向人們證實了原子彈的巨大威力，對核武器的擔憂使得各種擁有原子彈一樣破壞力的變異怪獸不斷出現在這一時期的恐怖電影中。同時處于冷戰狀態下的美國民眾對另類意識形態的恐懼，也被反映到恐怖電影中，能控制人的思想的危險外星人成為一個熱門的恐怖類型。

六七時年代開始物質繁榮下的美國的社會問題成為恐怖電影關注的主題。對現代科技和生育的焦慮，以及對墮胎問題的爭議導致了恐怖電影里各種變異嬰兒的出現。性格扭曲的人對社會的威脅也成為流行的恐怖主題，引發觀眾對社會和人性的思考。還有一些恐怖電影以血腥恐怖的形式諷刺了資本主義下的金錢崇拜。另外恐怖電影中虐待殺害妻子與兒童的情節，反映了美國社會的男性的壓力與焦慮。

八十年代艾滋病的出現復蘇了以往人們對吸血鬼和同性戀的恐怖心理，而吸血鬼不死的形象又為驚慌失措的大眾提供了一種護身符式的心理安慰。吸血鬼的形象又再次出現在美國恐怖電影歷史舞臺中。此外美國恐怖片還反映了消費社會下的心理危機，如《搏擊俱樂部》(1999)還有《美國狂魔》(2000)。在極其文明的生活方式下，人類竟然倒退到了最原始的爭斗與砍殺中。這些恐怖電影思考了人的本性，探討了文明與野蠻的關系，揭示了繁榮的資本主義社會背后潛伏的危機。

三、總結

在全球化日益發展的今天，大眾傳媒在人們生活中扮演著越來越重要的角色。它們為人們提供了構成世界觀、價值觀、行為甚至是認同性的材料。如何理解分析媒體文本對人們了解時代社會文化有重要意義。美國作為一個電影輸出大國，其恐怖電影也占據著大量的文化市場。從發展的角度理解美國恐怖電影的歷史及其恐怖類型，受眾就能在欣賞同時提高認識水平，在恐怖的表象下深入思考，發掘其文化內涵，從而提高受眾的媒體解讀能力。

參考文獻：

[1]Kellner,Douglas. Media Culture: Culture Studies, Identity and Politics Between the Modern and the Postmodern. London:Routledge,1995.

[2]Skal, Robert.Movie-Made America: A Cultural History of American Movies. New York: Vintage Books, 1994.

[3]Whetmore Edward Jay. Mediamerica: Form, Content, and Consequence of Mass Communication. Belmont: Wadsworth Publishing Company, 1985.

[4]保羅?紐曼.恐怖――起源，發展和演變[M].趙康，于洋等譯.上海人民出版社，2005.